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Théâtre : Le Médecin malgré lui, Los Angeles 1990

Pierre François — 2013-06-06T12:03:04Z

« Le Médecin malgré lui, Los Angeles 1990 ») [1] qui se donne jusqu'au 24 août au Lucernaire est bien le texte de Molière. La pièce commence par la réunion d'une bande de clochards au milieu de sacs en plastique devant un brasero. Sganarelle est l'un d'eux, ivrogne – c'est dans le texte – et n'hésitant pas à sniffer – un choix de jeu qui reste logique avec le déroulement de l'action. Les propos tenus par sa femme pourraient être ceux d'une Messaline de bas étage – sans avoir besoin pour autant d'être une « grosse tripière » [2], comme disaient les contemporains de Poquelin – et c'est donc ainsi qu'on la voit sur scène.

Ce n'est pas tout. La pièce est bourrée d'allusions contemporaines. Sganarelle arrive habillé comme un joueur des Lakers (ce qui correspond, pour une des couleurs au moins mentionnées, au texte de Molière) sur la musique d'« Urgences » ; enchaîné et sur le point d'être pendu, il est vêtu de l'uniforme des prisonniers de Guantanamo ; lorsqu'il l'enlève on pense à « Scarface ». Jacqueline, nourrice chez Géronte, pourrait jouer dans un Almodovar. Son mari Lucas, à l'accent espagnol aussi prononcé qu'elle, évoque un des inspecteurs de la série « Dexter ». Géronte fait penser, lorsqu'il met un chapeau de cow-boy, à « Dallas » tandis qu'un portrait de John Wayne occupe le mur du fond.

Pourquoi ces références à la société états-unienne uniquement ? C'est, expliquent les deux metteurs en scène, que cette dernière fait désormais partie de l'imaginaire collectif et se prête particulièrement bien au style de la farce, qui est celui de cette pièce. Car ici, nul débat de société comme dans « Tartuffe » ou « Les Précieuses ridicules » ! On reste proche de la farce moyenâgeuse avec ses situations grotesques, ses allusions grivoises et ses quiproquos.

Une des deux libertés prises avec le texte de Molière – l'autre consistant en des traductions d'une réplique de Sganarelle en anglais ou d'une tirade de Jacqueline en espagnol – a justement trait à une de ces situations : au lieu de « coups de bâton », Sganarelle est agressé à l'aide d'un poing électrique.

Ce qui est admirable dans cette pièce, c'est qu'à travers une fidélité littérale au texte, on aboutisse à une représentation complètement crédible. La chose n'est pas automatique : combien de spectacles qui ne sont que les fantasmes d'un metteur en scène se réappropriant sans vergogne ni respect de l'intention de l'auteur un texte auquel il n'a voulu comprendre que ce qui l'arrange ! Ici, on est aux antipodes de ce genre de trahison. Et, au surplus, c'est très bien joué : on croit à chacun des personnages dès la première minute. On comprend dès lors que « Le Médecin malgré lui, Los Angeles 1990 » ait rencontré le succès non seulement au festival off d'Avignon de 2010 à 3012 mais aussi au cours de ses tournées, jusqu'à Casablanca.

Pierre FRANCOIS

[1] « Le Médecin malgré lui, Los Angeles 1990 », texte intégral de Molière. Avec Augustin de Monts ou Florent Chesne, Sophie Staub ou Amandine Gaymard, Aurélien Rondeau ou Hugo Horsin, Michael Cohen, Sébastien Faglain, Lydia Besson, Jérôme Rodriguez. Mise en scène Aurélien Rondeau et Quentin Paulhiac. Du mardi au samedi à 18 h 30 au Lucernaire, 53, rue Notre-Dame-des-Champs, Paris 6e, tél. : 01 45 44 57 34.

[2] « Tripière, grosse tripière », in « Espèce de savon à culotte et autres injures d'antan » de Catherine Guennec, collection Points : « grosse dondon salement nibardée, femme généreuse « à volumineux appas ». Expression attestée dans un courrier du Marquis de Saint-Maurice en 1672 (Le comte de Lauzun aurait été emprisonné pour en avoir qualifié la Montespan, ce qui selon l'auteur de la lettre est d'ailleurs exagéré).

Théâtre : Soda, Soyons Oublieux des Désirs d'Autrui

Pierre François — 2013-06-03T06:42:51Z

« SODA », Soyons Oublieux des Désirs d'Autrui [1], est le genre d'expérience qu'il faut avoir fait au moins une fois dans sa vie. Comédie agrémentée de musique sans être comédie musicale – plutôt fantastique – cette pièce se divise en trois parties séparées par deux entractes de trois quart d'heure, chaque partie comptant trois épisodes de trois quart d'heure chacuns entrecoupés de pauses de quinze minutes. Total : cinq heures de spectacle, portées à presque huit heures en comptant les interruptions, dont les repas.

Première surprise : le rythme est bon. Trois quart d'heure, c'est le temps d'un épisode de « soap », ce que précisément pastiche cette pièce, et une brève pause suffit (avec ou sans café...) à recharger les batteries (les écoliers allemands en savent d'ailleurs quelque chose, c'est leur rythme tout au long de l'année).

Seconde bonne nouvelle : le spectacle est bon. Au-delà de la performance, il y a un texte qui sait autant utiliser le registre oral (« T'es qu'une déception sur pattes ») que soutenu (utilisation du verbe gésir à l'infinitif, par ex.), et flirte parfois avec la poésie (« Regarde le ciel, ce n'est plus qu'une lourde pierre qui suinte »). L'humour est toujours présent, que ce soit dans ce dernier (« c'est l'hôpital, il s'en fout de la charité ») ou à travers le jeu.

Enfin, si le récit vire de plus en plus dans le fantastique, avec une ogresse qui appartient autant au monde des vivants que des morts, il ne bascule jamais dans l'absurde et, au contraire, pose régulièrement une question fondamentale, en passant.

Pierre FRANÇOIS

[1] Soda. À voir en intégrale ou en trois parties les 8 et 9 juin de 12 à 23 heures au Théâtre de l'Aquarium, Cartoucherie, route du Champs-de-Manœuvre, Paris 12e, tél. : 01 43 74 99 61.

Théâtre : C'est pas la fin du monde

Pierre François — 2013-05-31T21:51:08Z

« C'est pas la fin du monde » [1] est une pièce jouissive qui raconte la vie de quatre personnages et procède par brèves touches successives. Les tableaux se succèdent, mais seulement pour montrer les moments clé de ces existences à des intervalles complètement irrégulier et au moyen de scènes qui peuvent durer plusieurs minutes comme moins d'une.

Le texte révèle une faculté d'observation peu commune de notre humanité, et d'en enchâsser les caractéristiques dans des scènes révélatrices. Pas de jugement, pas de pathos non plus, on est dans une description aussi joyeuse que clinique de nos petites et grandes trahisons, des raisonnements théoriques que l'on tient sans être capable de se les voir appliqués (même si à froid on prétend le contraire).

Ce quatuor est composé de la sœur – qui a réussi professionnellement et a des enfants – de son mari – qui a aussi réussi –, du frère artiste – fauché, alcoolique et aux raisonnements difficiles à suivre – et de l'ex-compagne dudit frère. Les trois premiers sont associés – parfois tel l'eau et le feu – par leur ego, la troisième est lucide sur elle-même et sur ses failles. Le mari est sur une trajectoire sans surprise – il a envoyé le spi, fonce vent arrière à la vitesse de sa réussite sur les récifs que la crise financière met sur son chemin et virera lof pour lof trop tard – quoique touchante et juste, tandis que les autres mènent une vie en zigzag, tirant des bords face à un vent tournant.

Sans doute est-ce pour cela, sans doute est-ce à cause du talent indéniable de la comédienne à jouer la panique, les bégaiements ou la stupeur, on se sent immédiatement en empathie avec la seule qui sache se regarder sans concession, elle qui veut changer le monde tout en étant consciente du coté dérisoire de son militantisme associatif pour recycler le petit électro-ménager.

Ce qui n'empêche pas de croire complètement aux autre personnages – c'est d'ailleurs simple : on croit à tous dès la première seconde et sans interruption jusqu'à la fin – et à la vérité des sentiments qui les animent, mais avec une petite distance, comme si on vivait avec la première tout en observant les autres.

Quelque scènes sont particulièrement savoureuses dans ce vaudeville généralisé mais très intelligent, qui interroge notre époque et l'importance de ses valeurs au rythme des conversations au téléphone portables ou des coups de sonnettes à la porte. On pense à ces discussions « entre femmes » ou au quiproquo au sujet d'un mot d'amour, par exemple. Faut-il vendre la maison en Bretagne ou construire devant sa façade une piscine pour éviter l'eau à 16° de l'océan tout proche, telle est la question qui va catalyser une cascade d'évènements aussi drôles que bien vus ?

Pierre FRANÇOIS

[1] « C'est pas la fin du monde », de et mis en scène par Carlotta Clerici. Avec Anne Coutureau, Pierre Deny, Emmanuel Depoix, Sophie Vonlanthen à la Manufacture des Abbesses, 7, rue Véron, Paris 18e, du jeudi au samedi à 21 heures, dimanche à 17 heures jusqu'au 23 juin. Tél. : 01 42 33 42 03.

Théâtre : Festival de rue Parade(s) à Nanterre

Pierre François — 2013-05-17T09:02:54Z

Pour la vingt-quatrième fois, la ville de Nanterre « Parade(s) » [1]. Ces festivités de rue, gratuites et à l'élaboration desquelles la population a participé, auront lieu du 31 mai au 2 juin. Ce sont quarante compagnies qui investiront le temps d'un sam-dim les rues décorées de mille couleurs par leurs habitants, qui se sont pour l'occasion transformés en couturiers de guirlandes et décors.

L'un de ces spectacles – « Poilu » – a même été choisi par une délégation de jeunes de la ville partis voir le festival « Châlon dans la rue », dans le cadre d'un séjour organisé par la municipalité. Ces jeunes programmateurs partagent désormais les angoisses de ceux qui doivent décider en espérant que le succès sera au rendez-vous...

Ces quarante trois spectacles – dont six créations – sont « tout public », les âges minimaux s'échelonnant de 18 mois (pour « Le Cacophonium », petit manège musical à pédales) à 14 ans (pour « Le petit théâtre d'objet des philosophes », qui initie à Socrate ou Spinoza – en passant par d'autres – à l'aide des objets qui leur ont permis d'illustrer leurs raisonnements). Quant à « Même pas peur sous le théâtre de robe », il joue sur tous les tableaux, chacun de ses courts spectacles étant prévu pour un âge différent.

Il s'agit d'un programme serré : on ne compte pas moins de neuf représentations le vendredi entre 18 h 30 et 23 heures, soixante-et-onze le samedi de 10 h 30 à 22 h 30 et soixante six le dimanche de 10 h 30 à 19 h 15. On l'aura compris : ce sont des spectacles très courts – de 15 à 45 minutes, de rares exceptions atteignant l'heure ou plus – qui se succèdent dans les quinze lieux, dont neuf couverts, qui les accueillent, tous dans le centre de la vieille ville et à deux pas du RER Nanterre-Ville.

Quant au parc de la Boule, qui est un peu plus loin, un petit train est prévu pour soulager les jambes des tout-petits qui y trouveront les spectacles qui leurs sont destinés.

Pierre FRANÇOIS

[1] « Parade(s), festival ,des arts de la rue », spectacles gratuits du 31 mai au 2 juin dans le centre ancien de Nanterre, RER Nanterre-Ville, tél. : 39 92, parades@mairie-nanterre.fr, www.nanterre.fr.

Théâtre : Roméo et Juliette

Pierre François — 2013-05-10T17:49:08Z

La compagnie de « La Tour Vagabonde » et son Roméo et Juliette [1] font partie des histoires qu'on aime relater.

« La Tour Vagabonde » d'abord.

Il y a plus de 15 ans, une troupe de théâtre suisse fait construire à l'échelle ½ le Théâtre du Globe, lieu londonien historique des créations de Shakespeare. À son époque, le public était debout pour assister aux pièces, aujourd'hui il est assis, ce qui explique qu'une réplique moitié plus petite suffise pour une exploitation contemporaine. Vendu à une autre compagnie, puis abandonné, ce théâtre circulaire en bois est racheté par ses concepteurs.

Restauré avec l'aide d'une fondation ad hoc, il rouvre en 2005.

Depuis, cette structure de 12 mètres de diamètre et 10 mètres de haut comportant deux étages de galeries, en plus du parterre est démontée et remontée à la demande des lieux qui veulent l'accueillir. Elle est actuellement sur un terre-plein proche de la Cité Internationale des Arts, à Paris (métro Pont-Marie).

Le Roméo et Juliette qui y est actuellement donné est fort intéressant et de toute beauté.

L'intérêt vient de la reconstitution de l'atmosphère théâtrale du temps qui échappe néanmoins à l'écueil de l'archéologie théâtrale. Les chaises qui grincent, les bruits provenant de l'extérieur ou les chuchotements des spectateurs s'étonnant de telle ou telle option de mise en scène, tout cela rappelle le lieu de vie sans code ni gêne qu'était le théâtre du temps de Shakespeare (et jusqu'à celui de Molière en France).

La pièce est millimétrée dans sa mise en scène, non seulement dans le réglage des duels – qui prennent ici la forme de batailles d'apparence confuse – ou des bals, mais aussi pour le tempo des entrées et sorties ou le flou entretenu sur la notion de frontière entre scène et salle, car il est fréquent que les comédiens utilisent des espaces habituellement attribués au public.

Le jeu est aussi familier que le texte est littéraire, ce qui correspond à l'aptitude qu'avait le grand William à glisser une grivoiserie dans une phrase anodine.

Les personnages féminins, mais ce n'est pas une surprise dans cette pièce, sont mieux mis en valeur et plus mûrs que leurs correspondants masculins, n'étant l'ambiguïté pratiquée – et très bien jouée – par Lady Montaigu. Le frère Laurent joue à merveille le rôle du sage mi-savant mi-opportuniste qui tente de se mettre au service d'une cause qui le dépasse – créer la paix entre les deux familles – en dépit du peu de maturité des jeunes héros qui y parviendront bien malgré eux.

C'est un plaisir de voir qu'ici aucun rôle n'est mineur et que tous sont joués sans une seconde d'interruption, qu'ils soient à l'avant-scène ou non.

On est par ailleurs dans un spectacle très festif, de sorte que lorsqu'un des comédiens invite le public à chanter avec lui ce dernier réagit immédiatement. Comme si la fougue, la jeunesse, la fraîcheur et la passion des deux héros étaient passées dans le public.

Un spectacle si réussi qu'il est question de le prolonger jusqu'au 14 juillet. Même si mieux vaut le voir avant fin juin, pour le cas où un impondérable s'y opposerait...

Pierre FRANCOIS

[1] « Roméo et Juliette », de Shakespeare. Avec Géraldine Azouélos, Baptiste Belleudy, Axel Blind, Jonathan Bizet, Gaspard Caens, Raphaëlle Cambray, Laurent Evuort, Sylvy Ferrus, Clémence Fougea, Thomas Gauthier, Jean-Luc Giller, Paul Gorostidi, Anne-Solenne Hatte, Robin Laporte, Bernard Métraux, Sylvain Mossot, Françoise Muxel, Stéphane Peyran, Dominic Rouvillé, Federico Santacroce, Jean-Laurent Silvi, Louis Yerly. Mise en scène : Baptiste Belleudy. Du mardi au samedi à 20 heures, dimanche à 15 heures à la Cité internationale des arts, 18, rue de l'Hôtel de Ville, Paris 4e, tél. : 01 42 78 71 72, métro : Pont-Marie, www.lesmillechandelles.com.

Théâtre : Ala te sonogo / Dieu ne dort pas

Pierre François — 2013-05-10T12:00:49Z

C'est le délire dans la salle du Grand Parquet pour la pièce Ala Te Sunogo/Dieu ne dort pas [1], et elle le mérite bien.

En effet, elle est l'œuvre de deux comédiens maliens célèbres, proche d'un type de spectacle populaire en France depuis des siècles, la farce. Le talent comique de Diarra Sanogo a été très vite reconnu, dès la première aventure de Bougouniéré. Ce personnage incarne une femme rurale aussi bonne envers autrui que madrée lorsque ses intérêts sont en jeu. Son succès est tel qu'on en arrive déjà au 5e épisode de ses péripéties.

Son complice, Adama Bakayoko, qui interprète plusieurs rôles, dont un de femme, envahit littéralement la scène de son humour ravageur (et qui se révèle jusque dans sa biographie puisqu'il pratique le « kotèba thérapeutique avec les patients du service psychiatrique de l'hôpital Bamakois du Point G » !). Et s'il n'y avait qu'eux !

On ne peut en effet passer sous silence l'incroyable présence du danseur muet, le romantisme généreux et timide de la jeune fille qui en tombe amoureuse - et qui donne lieu à une scène de flirt d'une belle délicatesse - ou la capacité du directeur de centre culturel à personnaliser un discours qui sinon paraîtrait bien idéologique.

Le type de spectacle pratiqué par toute cette équipe est africain, endogène et moderne.

Le Kotèba est une farce traditionnelle burlesque de critique sociale jouée dans les villages bamanans (bambaras) une fois l'an. Cette troupe a su l'actualiser de façon originale à travers la série de pièces mettant en scène Bougouniéré. Par exemple, dans Ala Te Sunogo, elle introduit une forme de chorégraphie qui emprunte à la fois à la danse contemporaine et à la traditionnelle.

Mais c'est toute la mise en scène, depuis la première aventure de Bougouniéré, qui permet au Kotèba de survivre sans virer dans la folklorisation. Le résultat donne un spectacle qui fait autant rire les Africains que les Blancs, car il est fondé sur les mêmes ressorts comiques que la farce ou le carnaval. Par ailleurs, l'auto-dérision pratiquée par les comédiens a une valeur universelle : où ne trouve-t-on pas une corruption ou une paresse à dénoncer ?

Néanmoins ce spectacle reste positif. En effet, sa dimension chorégraphique lui insuffle une force de vie entrecoupée de moments poétiques qui donne un rythme enlevé à l'ensemble. Par ailleurs, parce que - comme le dit le titre - Dieu n'est pas mort, la jeunesse veut et provoque le changement.

Enfin, la pièce rejoint notre actualité : elle concerne le Mali et on constate avec plaisir combien la parole y est encore libre, même si ce spectacle n'y a pas été officiellement programmé (les trois représentations données étaient des "répétitions publiques") depuis le coup d'Etat de décembre 2012.

Pierre François

[1] "Ala te sunogo / Dieu ne dort pas", de Jean-Louis Sagot-Duvauroux. Avec Adama Bakayoko, Alimata Balde, Diarrah Sanogo, Sidy Soumaoro, Souleymane Sanogo ou Tidiani Ndiaye. Spectacle cree au centre d'art et de culture BlonBa à Bamako. Tout public à partir de dix ans. Du jeudi au samedi à 20 heures, dimanche à 15 heures jusqu'au 26 mai au Théâtre du Grand Parquet, Jardins d'Eole, 35, rue d'Aubervilliers, 75018 Paris, métro Stalingrad ou Riquet, tel. : 01 40 05 01 50, www.legrandparquet.net.

Théâtre : Proudhon modèle... Courbet

Pierre François — 2013-05-02T16:22:22Z

« Proudhon modèle... Courbet » [1] fait partie de ces pièces qui savent mêler enseignement et théâtre. Proudhon et Courbet se connaissaient, le premier estimant le second pour des raisons plus idéologiques – l'option vers une peinture « réaliste » – qu'artistiques. Il y a même un texte aussi intéressant qu'assassin de Zola sur le thème de l'impossibilité pour la philosophie ou la politique à féconder l'art, qui part de cette relation en essayant d'épargner Courbet [2].

La pièce elle même subit cette double tension, celle de la logique d'un raisonnement à travers quelques tirades plus intellectuelles que vivantes et celle de la vie à travers un rythme qui donne un vrai souffle au spectacle. Auteur et comédiens ont su circonvenir l'écueil du discours théorique en introduisant des thèmes qui font mouche – comme la misogynie primaire des deux hommes face à l'intelligence du modèle qui, elle, sait passer sans transition de la sensualité à l'intelligence – à côté de ceux touchant à l'Histoire des idées politiques.

Proudhon en puritain aussi plein de retenue que de passion, Courbet en jouisseur vaniteux, ce couple fonctionne bien du fait de son antagonisme de caractère tempéré par un accord sur le fond. Mais c'est l'opposition entre des hommes qui ne sont pas montrés sous leur meilleur jour et cette disciple d'Olympe de Gouges pleine de vie qui donne toute sa saveur à cette pièce.

Pierre FRANCOIS

[1] « Proudhon modèle... Courbet », de et mis en scène par Jean Pétrement. Avec Alain Leclerc, Jean Pétrement, Elisa Oriol, Djelali Ammouche. Du jeudi au samedi à 20 heures jusqu'au 25 mai au théâtre de l'Essaïon, 6, rue Pierre-au-lard, Paris 4e, tél. : 01 42 78 46 42.

[2] Mes Haines, Causeries littéraires et artistiques, in Le Salut Public des 26 et 31 août 1865. Cité dans http://www.insecula.com/article/F0010552.html

Danse : Entre el vivir y el soñar

Pierre François — 2013-04-17T20:42:11Z

« Entre el vivir y el soñar » [1] est un spectacle de danse qui se donne sur quatre dates à l'Épée de Bois et au Studio Théâtre. Il part d'un vers du poète Antonio Machado qui se traduit par « Entre le fait de vivre et de rêver il y a une troisième chose, devine-la », pour aller à la recherche de cette voie inédite, de cet ailleurs, et si ne sont utilisée que des citations de ce poète, il ne s'agit pas d'illustrer son œuvre mais bien de partir en exploration.

Le spectacle fait appel à trois interprètes et est construit en autant de parties. Si en principe le flamenco laisse une part à l'improvisation en ce sens que les gestes codés du danseur disent simplement quand commencer au chanteur ou au musicien, mais pas quoi, elle a choisi de tout prévoir, tout minuter. Les parties reprennent les attitudes décrites par le poète : d'abord la vie, ensuite le rêve, enfin cet entre-deux mystérieux, éventuellement mystique, qui – Pascale Pineda en est sûre, elle qui court après – mène à la sagesse. Car elle en a la conviction : il y a une sagesse cachée qu'il faut chercher, celle qui se trouve dans l'attitude calme des vieilles personnes semblant dire avec humilité « vaut mieux en rire ».

Mais en quoi le flamenco peut-il être un langage menant à la sagesse ?

Pour Pascale Pineda, la créatrice et interprète, le flamenco « c'est le ventre qui danse, c'est sur scène la venue au monde, dans la lumière, la douceur ineffable, la douleur, le sang, la violence. Tout s'abolit et se ré enfante, tout grimace, souffre, tout sourit et creuse les joues, tout tourne et disparaît. ». Et si on lui pose la question de savoir si on peut établir un rapport entre cette danse, qui pour elle passe par le ventre, et la musique de Wagner qui s'adresse aux tripes, elle répond que probablement que oui dans la mesure où elle a un faible pour Nietzsche.

Le flamenco, c'est encore dit-elle l'union parfaite entre le corps et l'âme, l'intellectuel et le charnel. En effet, la danse classique – qu'elle a pratiqué avant de passer au flamenco il y a dix ans – est toute entière tournée vers le haut, le ciel, l'éthéré. La danse contemporaine a un rapport au sol plus fort. Et le flamenco tape du pied sur le sol, enracine le corps, en même temps que les bras s'étirent vers le ciel en mouvements subtils. Et de citer Kazantzakis : « je remplirai ma chair d'âme, je remplirai mon âme de chair, je réunirai en moi ces deux ennemis séculaires. » Peut-être est-ce là un chemin de sagesse...

Pierre FRANCOIS

[1] « Entre el vivir y el soñar », spectacle de danse et musique flamenco. Avec Pascale Pineda (danse et chorégraphie), Sylvain Cabanacq (percussions et flûte), Hadrien Moglia (guitare), Cécile Evrot (chant). À la Cartoucherie, Théâtre de l'Épée de Bois, route du champs de manœuvre, 75012 Paris, métro Château de Vincennes + bus 112, tél. : 01 48 08 39 74, les 18 mai et 8 juin à 16 heures. À l'Art Studio Théâtre, 299, rue de Belleville, 75019 Paris (entrée par le 120 bis rue Haxo), tél. : 01 42 45 73 25, dans le cadre du Printemps de la création, les 26 mai et 2 juin. Compagnie Le Peuple Danseur, 9, rue Jean-Baptiste Fortin, 92220 Bagneux, tél. : 06 32 50 39 68, www.myspace.com/lepeupledanseur.

Théâtre : Vagabonds des mers

Pierre François — 2013-04-17T17:15:11Z

« Vagabonds des mers, un conte musical fantastique » [1] est un spectacle surprenant, inclassable et habité. Il dit être un cabaret expressionniste qui s'apparente à la famille du « réalisme merveilleux », et c'est bien le cas [2].

On est en un lieu indéterminé, a priori la taverne d'un port, et un piano fait entendre un air méditatif. Alternativement, un récitant raconte une histoire de mer, avec d'emblée une dimension de mystère. De dialogue alternatif au début, les expressions orales et musicales se fondent petit à petit en canon, sans néanmoins qu'aucune des deux ne gêne l'écoute de l'autre. Et la méditation devient de plus en plus vivante, heurtée souvent par les événements qui surviennent au malheureux capitaine.

De la même façon, les rôles du pianiste et du conteur – car il s'agit bien d'un conte qui nous est livré, avec le suspense et les étonnements que comporte toujours de genre de texte – deviennent de moins en moins tranchés. Si le comédien livre toujours une dimension grave et le musicien son pendant comique, ils communiquent de plus en plus – le pianiste se mettant à donner la réplique au conteur qui devient chanteur – et entretiennent l'unité de l'atmosphère créée. Les péripéties du récit sont soulignées par les effets de lumière et de brume, mais sans excès : on n'est pas dans l'illustratif mais bien dans un allusif qui fait ressentir les mouvements intérieurs du héros, et même les pantomimes extraordinaires du récitant procèdent de cette logique. Bref, on est emmené ailleurs, dans un monde mystérieux et symbolique où le temps se replie sur lui même, c'est un pur délice pour tous ceux qui ont la fibre poétique.

Pierre FRANCOIS

[1] « Vagabonds des mers, un conte musical fantastique », de et avec Yanowski et Fred Parker, mis en scène par Sarkis Tcheumlekdjian. Du mardi au samedi à 19 heures au Théâtre Michel, 38, rue des Mathurins, Paris 8e, métro Havre-Caumartin, Rer Auber, tél. : 01 42 65 35 02.

[2] Dans le « réalisme merveilleux », le récit suit une trame réaliste teintée par l'émerveillement de l'auteur. C'est par exemple le cas de La Trilogie de Pan, de Giono. Il est à distinguer du « réalisme magique » dans lequel des événements ludiques impossibles se glissent dans une trame tout aussi réaliste sans que le narrateur en soit gêné, comme dans Le Passe-Muraille, par exemple.

Théâtre : le Festival de caves

Pierre François — 2013-04-16T21:41:08Z

Le « Festival de caves » [1] est une initiative inattendue au succès certain. Soit un metteur en scène auquel le musée de la Résistance et de la Déportation de Besançon demande, en 2005, un spectacle pour célébrer la libération des camps. Notre homme choisit de monter le journal du philologue allemand Victor Klemperer. Mais surtout réalise que le contexte commande de retrouver l'esprit des origines du théâtre : la confidentialité des mystère d'Éleusis, lesquels remontent aux temps préhelléniques, sans doute vers 1800 A.C. (si on fait abstraction de quelques peintures rupestres préhistoriques).

Il met donc en place un système dans lequel on donne rendez-vous aux spectateurs en ville pour les conduire ensuite dans un lieu secret, clandestin. Ce sera la cave de la Préfecture, dans laquelle les participants pénétreront après avoir franchi une grille gardée par des plantons.

L'expérience est si marquante que tous réalisent qu'il lui faut un prolongement. Guillaume Dujardin définit alors les règles qui gouvernent le futur festival – rendez-vous en ville, titre et durée du spectacle inconnus, sujet libre du moment qu'il commande le secret – et contacte des amis comédiens auxquels il donne carte blanche. On est en présence d'un organisateur de festival qui en ignore le contenu... et confesse qu'en sept éditions il n'a été déçu que par deux spectacles.

Cette belle histoire de confiances reçues et données devient rapidement contagieuse. D'autres villes s'y intéressent. Le festival devient inter-régional et les spectacles se donnent en plusieurs endroits (pour les seules créations programmées cette année : Besançon, Lons, Lyon, Strasbourg, Arbois, Planoiseau, Nantes, Orléans, Dole, Saint-Claude, Courchaton, Villersexel, Rioz, Busy, Karlsruhe et Saint-Louis) durant le temps du festival. Avec humour, Guillaume Dujardin dit qu'il a « franchisé » son festival dans plus de trente villes.

La trentaine, c'est également le nombre de comédiens ou chanteurs qui interviennent cette année, dans le cadre des seize spectacles invités, cinq créations et une coproduction. S'il serait malséant de trop dévoiler le sujet des œuvres en question, disons que – en se limitant aux seules créations – chacune d'entre elles a un rapport avec le secret : secret de l'atelier personnel de Goya, de la chambre d'hôpital dans laquelle Aby Warburg recouvra la santé mentale, des convictions intimes de Godard, du débat de conscience de Mademoiselle Else. Une belle idée, une belle aventure, de beaux spectacles, que demander de plus ?

Les mystères d'Éleusis

Il s'agissait de cérémonies vouées au culte de Déméter et à la mort-résurrection de la nature à travers la disparition du grain qui donne une nouvelle récolte. Ceux qui y participaient étaient tenus au secret de sorte qu'on en a jamais connu le contenu. Quatre sortes de personnes y assistaient. Les mystes, qui devaient se présenter parlant le grec et purs de tout homicide, y arrivaient pour la première fois. Puis, venant une seconde fois, les mystes initiés voulant gravir un échelon supplémentaire. Une fois cette formation faite, ils devenaient des époptes, troisième classe de participants. Enfin, il y avait les prêtres qui présidaient les cérémonies. On suppose que, dans la logique du passé mort ouvrant la voie à la révélation du futur, on y consommait du blé qui avait fermenté et avait été contaminé par l'ergot de seigle lors de sa conservation, ce qui lui donnait un pouvoir hallucinogène considéré comme révélant l'avenir.

Pierre FRANCOIS

[1] « Festival de caves », 22 spectacles et lectures dans 32 communes. Huitième édition du 13 mai au 22 juin à Besançon, Lyon, Strasbourg, Orléans, Nantes, Lons-le-Saulnier, Arbois, Planoiseau, Rioz, Dole, Bavans, Montbéliard, Saint-Claude, Foucherans, Courchaton, Baume les dames, Saint Louis, Tübingen, Vaire-le-Petit, Montbozon, Vesoul, Busy, Esprels, Greneuille, Le Creusot, Morteau, Mulhouse, Oricourt, Pouilley-les-Vignes, Saint-Hyppolite, Saint Sernin du bois, Villersexel. Réservation obligatoire au 09 54 51 78 90 ou sur festivaldecaves@yahoo.fr. Rendez-vous à 19 h 30, se munir de vêtements chauds.